Cómo conseguir un sonido profesional con mi banda Parte 1

Por Mariana Romero

Siempre hemos admirado esas grandes bandas con ese sonido tan profesional y compacto, potente y poderoso, donde no hay espacio a errores ni mucho menos a titubeos. Tanto en tarima como en estudio nuestras bandas favoritas nos conquistan y es ahí donde nos preguntamos: ¿Qué hicieron para lograrlo?

Este artículo nos dará toda la información que necesitaremos para formar y desarrollar una banda con sonido profesional. Dicho artículo dividiremos en varias partes, ya que para tener una gran banda, implican muchas características que debemos desplegarlas con la importancia que se merece.

Formar la banda

En primera instancia debemos pensar en un proyecto musical con metas específicas. Debemos establecer los motivos de por qué queremos una banda, ya sea para crear música, para hacer tributos, para hacer fusiones o arreglos de temas existentes con grandes modificaciones, generar dinero, tocar en pubs, estar en iTunes o Spotify, etc. Pueden ser muchísimas las razones para iniciar una banda y por supuesto, también es válido tener una banda para estudiar juntos o distraerse.

Al tener claras las razones, el siguiente paso sería escoger el género a trabajar, muchas veces el género ya viene implícito en los motivos de por qué hacer una banda. No estamos obligados a que sea un sólo género a realizar, pero sí es importante encontrar un “hilo conductor” en el proceso creativo del proyecto, de tal manera que cuando la banda esté consolidada, tengan algo particular que llame la atención.

Luego de tener claro el género y motivos de por qué tener una banda, pasamos al tercer paso más importante: los integrantes. Cómo en todo proyecto, los integrantes no solo deben tener las aptitudes y actitudes necesarias para complementar el proyecto sino que además, la visión y misión de todos debe ser la misma. Este es el primer error que cometen tantas bandas, no hay una conversación concreta sobre la motivación del proyecto y al final cada integrante tiene intereses distintos lo cual solo trae como consecuencia el fracaso. Por eso debemos tomarnos el tiempo en encontrar las personas que tengan los mismos intereses y no abalanzarnos a una decisión prematura. Un proyecto musical tiene las mismas características que puede tener una pequeña empresa a la hora de iniciarse, por lo que no podemos poner por encima la amistad que la profesionalidad si queremos conseguir el mejor resultado.

También debemos ser cuidadosos en revisar las posibilidades musicales de cada integrante, pues el eslabón más débil de la cadena es quien determinará el máximo por hacer en el proyecto. Es decir, si tenemos un baterista que no es muy rápido y queremos realizar un género que implica velocidad y resistencia, va a ser complicado lograrlo al principio. O si buscamos sonidos muy graves y el bajista tiene un bajo de cuatro cuerdas, no generará estos sonidos graves que estamos buscando. No todo en la música es velocidad y virtuosismo, la musicalidad de un proyecto va más allá de esas características, pero debemos tener claras las metas para saber qué tipo de integrantes necesitamos.

Una banda debe concebirse entonces con pasos concretos para así conseguir un resultado óptimo. Si deseamos generar un producto de calidad, desde el inicio del proyecto debe pensarse de la manera más ordenada y clara posible.

Proceso Creativo

En todo proyecto musical donde se quiera hacer música propia deben haber tres elementos fundamentales: compositor, arreglista y director musical. Muchas veces estos tres elementos pueden estar repartidos en una o más personas del equipo, sin embargo no debemos obviar la importancia de estos. El compositor es el encargado de crear las ideas musicales, en muchos casos el compositor plantea la idea y es capaz de desarrollarla hasta culminar una canción, este proceso de desarrollo musical le llamaremos arreglo. Algunos músicos tienen la preferencia de realizar el proceso creativo en soledad, mientras otros prefieren compartir este proceso con el equipo para realizar aportes entre todos y así la banda es la compositora y arreglista. Esto debe ser establecido para optimizar el tiempo en obtención de resultados. La función del director la estudiaremos más adelante.

Es recomendable valerse de algún software para la preproducción o registro del proceso creativo, de tal forma que pueda generar un boceto digital de cómo debe sonar la canción. De esta forma cada integrante podrá  revisar el instrumento que le corresponde y así evitar olvidar los avances obtenidos en cada sesión creativa. Algunos deciden hacer registros auditivos del desarrollo, pero lo más exacto y conciso es realizar la escritura musical de los avances realizados en cada canción hasta obtener el producto final. Muchos software permiten transformar la ejecución de un instrumento en notación musical a través de una codificación llamada MIDI, la cual desarrollaremos más adelante en otro artículo.

Banda de Tributos o Cover, ¿tienen proceso creativo?

En el caso de que tu banda no incluya canciones propias, de igual forma puede incluir un proceso creativo en el ámbito musical, pues muchas bandas actuales están optando por no mostrar versiones literales de los temas escogidos sino por el contrario, realizan arreglos con cambios bastante notables y atractivos al oyente, donde dicha transformación puede ser tan laboriosa como componer un tema desde cero.

En el caso de que decidan que las versiones sean lo más parecidas a las originales, necesitaremos en vez de un proceso creativo, un proceso interpretativo, donde estudiaremos a fondo las características sonoras, técnicas e incluso históricas que competen al artista a versionar, de tal forma que se logre la imitación más cercana posible a partir del conocimiento de porque esa banda (la que versionaremos) genera gusto por la gente y tiene esa sonoridad particular.

Cuando la banda es de versiones, a veces existe el inconveniente de que no a todos los integrantes les agradan todas las canciones escogidas. En este sentido debemos tener claras las intenciones del proyecto. Si la intención es generar dinero a través de tributos o covers, no podemos permitir que nuestras preferencias musicales se interpongan ante la meta, pues parte de la profesionalidad es entender que no todo puede agradarnos y que debemos buscar la mejor manera de realizar aquellos temas que no nos gustan. De no realizar la conversación inicial de motivos de la banda, puede traernos muchos problemas el escoger el repertorio, pues cada integrante tendrá motivos personales para cada decisión y arrastrará el proyecto a su zona de confort. Por supuesto esto no significa que debamos estar incómodos todo el tiempo en el proyecto, debemos balancear nuestras metas personales con las metas grupales de tal forma que el equipo pueda trabajar en armonía.

En la siguiente parte desarrollaremos cómo lograr un ensayo óptimo y provechoso de tal forma que estemos cada vez más cerca del sonido profesional que estamos buscando.

Cuéntanos tu experiencia sobre bandas, has intentado alguna vez formar una?

 

La importancia de la técnica en la guitarra

  Por Sebastián Ignacio Pérez Alvarado.

Estudiante 5to año superior, de la carrera licenciatura en Artes, mención interpretación musical, especialidad Guitarra Clásica, título profesional de intérprete en Guitarra, Universidad de Chile.

En mi experiencia con la guitarra y más profundamente en la guitarra clásica, he entendido con el tiempo, que mientras más quiera yo avanzar en cuanto a la dificultad del repertorio que desee abordar, ya sea clásico o popular, es necesario fortalecer ciertas condiciones técnicas, para que así, la música tenga más naturalidad, se escuche ligera (cuando es necesario) y fluida, para que de esta manera, también el auditor y en ocasiones espectador, absorba netamente el contenido musical e intelectual y no se distraiga con experiencias sonoras y físicas extra musicales; esta es una arista simplemente en el amplio mundo de la música y a medida que el músico indaga más y más en el infinito universo que es la vida y la experiencia musical, comenzará a tener necesidades técnicas que necesitará fortalecer para seguir adentrándose más en los senderos desconocidos que te entrega la ejecución del arte sonoro; es ahí donde el individuo con necesidades musicales, debe tener el temple y la madurez para entender que debe hacer para satisfacer estas necesidades y para eso buscará hambriento, diversas formas para incrementar su nivel técnico y deberá solicitar guías de profesores con mayor experiencia y conocimiento, pero fundamentalmente deberá trabajar diariamente.

En este sendero técnico, la historia de la Guitarra Clásica tiene amplia experiencia, ya que se viene modificando y reinventando desde hace siglos y a medida que la música y la historia se desarrollan, este estudio técnico crece en conjunto a este trayecto antropológico. Es por eso que grandes guitarristas y compositores, han elaborado métodos de diferentes dificultades en diferentes momentos musicales y puedo mencionarte algunos como: Mauro Guilliani – Fernado Sor – Francisco Tárrega – Emilio Pujol – Andrés Segovia – Leo Brower, entre otros; ellos y muchos más, han elaborado métodos de dificultad progresiva, que con la correcta guía de un profesor que conozca la ejecución y las enseñanzas a trabajar en cada método, podrá satisfacer en su mayor parte todas las necesidades de cualquier repertorio musical, ya sea popular o docto, ya que estos métodos trabajan profundamente el uso de la guitarra y al dominarlos en su totalidad te darás cuenta que tu nivel es óptimo para desarrollarlo en múltiples estilos musicales con su debida práctica.  

Cuéntame, cual ha sido tu experiencia con la técnica?,  has trabajado escalas? qué tipo de técnica trabajas? deja tus comentarios abajo!

¿Por qué debo estudiar con metrónomo?

¿Por qué debo estudiar con metrónomo?

 

¿Que es el metrónomo?

Antes de determinar la utilidad que puede tener el metrónomo en nuestras clases de instrumento, es primordial poder entender qué es y cuál es su uso en el campo musical.

El metrónomo es un instrumento cuya función es medir el tiempo mediante la subdivisión de un minuto en partes iguales, a dichas partes las denominaremos pulsaciones o beats. ¿Qué significa esto? Significa que podemos, según el 

género o pieza que necesitemos estudiar, aumentar o disminuir la velocidad de estos pulsos variando la cantidad de ellos en un minuto. Un buen ejemplo para entender esta subdivisión es el citar la más conocida, el segundo, la cual divide al minuto en 60 partes iguales. Si configuramos el metrónomo en 60, obtendremos entonces 60 pulsaciones por minuto o “beats per minute” (bpm).

¿Que Utilidad tiene?

El metrónomo es el mejor amigo del músico, su uso parte en generar precisión en los ejercicios de calentamiento, realizar sesiones de esfuerzo y resistencia al aumentar la velocidad, poder mejorar la destreza y exactitud al usar velocidades lentas, concientizarnos sobre los tiempos y los acentos según el género a interpretar y por supuesto, la más conocida, realizar sesiones de grabación de calidad profesional.

¿Debería siempre estudiar música con metrónomo?

Es fundamental que el docente desde el inicio integre el metrónomo como parte del proceso de aprendizaje. De esta manera el estudiante podrá controlar y tener presente la evolución de su proceso a medida que va aumentando la velocidad del metrónomo. Al poder comprender su uso y cómo aplicarlo a los ejercicios, el estudiante podrá hacer más énfasis en la destreza técnica, además aumentar la posibilidad de tocar “a tiempo”

¿Cómo aprendo a configurarlo?

En primera instancia es muy sencillo, sólo hay que determinar en qué velocidad queremos trabajar, a dicha velocidad la denominaremos “tempo”. Esto lo hacemos modificando el valor que habíamos mencionado anteriormente, “Beats per minute” o bpm. Es importante resaltar que mientras mayor sea el número, más rápido será el pulso, esto se debe a que la subdivisión es mayor y por ende el espacio de tiempo entre pulso y pulso se reduce.

Luego de escoger el tempo o la velocidad a trabajar, debemos comprender cómo se integrará el metrónomo con nuestros ejercicios. Esto lo haremos mediante el uso del pulso y subpulso o pulso secundario. El pulso principal es el que vamos a escuchar, la manera más sencilla de hacer subpulsos es la siguiente:

1 figura por pulso

2 figuras por pulso

3 figuras por pulso

4 figuras por pulso

No te asustes, suena más complicado de lo que es realmente, pero seguro que tú profe de música podrá ayudarte. Te recomiendo en principio trabajar una figura al mismo tiempo del pulso y cuando te sientas cómodo, hacer la subdivisión de dos figuras por pulso.

¿Cómo identificar la velocidad de una canción?

Esta pregunta es bien interesante ya que depende de varios factores. El primero es comprender que toda la música tiene un pulso interno. Podemos asociarlo con el pulso de nuestro corazón. En los géneros urbanos que incluyen batería es más sencillo, ya que la rítmica con la que se conduce la canción es bastante clara, sin embargo cuando no hay batería o percusión puede ser más complejo. No olvides preguntarle a tu profe cómo detectar el pulso.

Cuando ya sentimos el pulso en una canción, hay metrónomos, ya sean físicos, apps de smartphone e incluso páginas de internet que incluyen algo llamado “tap tempo”. Esto se usa pulsando la tecla, botón o zona de tu smartphone que diga tap tempo, haremos “tap” de manera regular en la velocidad del pulso y de esta forma el metrónomo te dará la velocidad en la que se encuentra la canción que estás midiendo.

¿A qué velocidad debo iniciar?

Siempre se recomienda empezar a una velocidad lenta con respecto a la velocidad que queremos alcanzar. Debemos ser muy pacientes en este proceso, pues el inicio del estudio en velocidad lenta nos permitirá hacer consciencia de la posición correcta de ambas manos, de que los movimientos se hagan lo más natural posible, de eliminar cualquier tensión innecesaria y por supuesto, tener un sonido impecable.

Si la pieza es rápida, por ejemplo 150 bpm, recomiendo empezar a la mitad de esa.velocidad, es decir, 75 bpm. Debemos permanecer en esa velocidad hasta lograr la mayor precisión posible.

¿Cuando debo subir la velocidad?

Luego de estudiar detenidamente en una velocidad lenta la canción o ejercicio escogido, se recomienda subir progresivamente, es decir, de 5 en 5 por ejemplo. Hay software que incluso se puede programar como “musical trainner” y automáticamente se encarga de subir la velocidad. Sin embargo no lo recomiendo hasta ya tener buen manejo del ejercicio. Entonces en principio recomendamos subir de 5 en 5 y permanecer en cada velocidad hasta lograr un buen sonido.

¿Ya te decidiste a estudiar con metrónomo para mejorar tus habilidades? No olvides que la constancia y disciplina son las mejores amigas del desarrollo de cualquier meta. Coméntanos abajo cual ah sido tu experiencia con el metrónomo!

 

Mariana Romero

 

6 consejos para comprar una buena guitarra

Por Sebastián Ignacio Pérez Alvarado.

Profesor de Guitarra, Escuela de música Resonancias.

Muchas veces al momento de querer aprender a tocar un instrumento y en este caso específico, al momento de querer aprender a tocar Guitarra, uno de los puntos más importantes y básicos, de los cuales el común de la personas  no le toma mayor importancia, es la correcta elección de dicho instrumento.

Es posible que en muchas oportunidades nos atemorice quizás el precio que podría llegar a costar una buena Guitarra, debido a que por lo general se sabe que un instrumento musical es bastante delicado y fino, y por ende, para que éste sea de calidad, requiere de muy buenos materiales, para así algún día, poder llegar a extraer de él, un excelente sonido, profundo y con una gama de colores bastante amplia. Pero en muchas ocasiones la correcta elección de un instrumento y sobre todo en la guitarra, no siempre está ligado a su precio, si no también a una serie de características que tienen directa relación con su construcción y su refinamiento, muchas veces, guitarras de un precio justo o porque no, de un costo que comúnmente se le podría llamar “Barato”, pueden llegar a sorprender por su comodidad y correcto sonido, que en muchos instrumentos de cuerda pulsada, se acerca a un sonido profundo y refinado. Es cierto que mientras los materiales (maderas) utilizados en su construcción sean de una mayor calidad, es muy probable que la Guitarra elegida sea de una alta gama en variados aspectos, pero aquí hay algunas características que pueden ser de gran ayuda al momento de elegir una guitarra y no necesariamente tienen que ver directamente con su precio:

  1. Antes que nada, debes tener en cuenta y estar seguro que tipo de guitarra quieres, estos tips están orientados a la elección de una guitarra Clásica o tradicional.
  2. Observa que el “mástil” (mango donde se utiliza la mano izquierda para pulsar las cuerdas en los espacios y trastes), no tenga un grosor muy prominente, dado que éste, mientras más delgado sea, mayor será la comodidad de tu mano para trasladarse y no fatigarse.
  3. Fíjate, toca y prueba su sonido en todos los espacios de la guitarra, debes buscar que éste suene limpio y sin residuos sonoros del rebote del cuerda contra el mástil (trasteos).
  4. Observa que la separación de las cuerdas con el “mástil” sea por lo general de 3mm  en la primera, cuarta y sexta cuerda, entendiendo que las numeraciones de las cuerdas, comienzan desde la más delgada (1ª) a la más gruesa (6ª), la altura se mide desde el tope del traste no.12 a la parte baja de la cuerda o la parte que haría contacto al presionar la cuerda.
  5. Según mi experiencia es posible encontrar un buen sonido en una guitarra, solo al fijarse en las betas que se observan en la madera de la tapa de ésta (parte delantera del cuerpo de la guitarra donde se encuentra la boca), dado que mientras más finas y juntas estén las unas con las otras, se puede entender que la edad de la madera es más alta o más antigua, por lo que su vibración será mejor y esto afectara directamente en su sonido.
  6. Por último, prueba tantas guitarras diferentes como te sea posible. si conoces a otros guitarristas, pregúntales cómo se sienten con las guitarras que han probado y cuáles son sus preferencias el momento de tocar una guitarra.Con estos seis tips básicos podrás mejorar tu conocimiento al momento de comprar una guitarra y podrás conseguir un correcto instrumento que te facilite y te motive, para tu aprendizaje, y así te sentirás con un poco más de confianza.

Este paso es de crucial importancia al momento de iniciar el proceso de aprender a tocar Guitarra, debido a que la motivación y la práctica, están ligados con el bienestar, la sonoridad y la comodidad, con la cual se practica diariamente.

Ya te has comprado tu guitarra?

comparte con nosotros tu experiencia!

Porque no llego a los tonos de la canción que me encanta????!!!!!

Soy Juan Contreras, profesor de canto de la escuela de música resonancias.

Si amas cantar sin duda te habrás preguntado porque algunos cantantes parecen poder encumbrarse en las alturas de su voz sin ningún problema, y de seguro te habrás encontrado con canciones que te gustaría cantar pero que simplemente no te dan, ya sea “para arriba” o “para abajo”.  Quizás esto te frustra mucho e incluso crees que hay un problema contigo, o que tu voz no es lo suficientemente buena como la de los cantantes de la radio y que nunca podrás llegar a sonar así ni llegar a esos tonos. La razón principal para esta angustia sin sentido es que desconoces cuál es tu tipo de voz.

Si bien, todos tenemos una voz única y particular,  la mayoría de los cantantes nos podemos  catalogar dentro de alguno de los seis registros de la voz humana;  una especie de categoría, familia  o grupo dependiendo de cuan grave (notas bajas) o agudo (notas altas) podemos cantar.

¿Has notado que las mujeres y los niños hablan más alto que los hombres, y que hay hombres y mujeres con  voces más delgadas y pitudas  y otros con voces más gruesas y profundas? También habrás notado que cantantes como Luis Fonsi  y Luis Miguel tienen voces muy altas en comparación  con Miguel Bose o Kevin Johansen  que tiene  voces más  roncas  graves y aterciopeladas.  

Esta diferencia en los tipos de voces  influye mucho a la hora de cantar para que alguien que está recién partiendo: ¿Cuan alto puedo  llegar? ¿Es seguro esforzarme por llegar a ciertos tonos? ¿Qué cantantes tiene una voz similar a la mía? ¿Qué canciones puedo cantar de manera segura sin hacerme daño? ¿Las puedo bajar o subir de tono? ¿Cuánto?

Esta diferencia natural de las voces radica en factores fisiológicos como el tamaño o grosor de tus cuerdas vocales.  Y es conocida como tipo de voz o registro vocal.

 Las voces  se  pueden clasificar en:

 

Femeninas Ejemplo en la música popular
Soprano ( voz aguda) Ariana Grande, Belinda , Lara Fabian, Cristina Aguilera , Mon Laferte,   
Mezzo (voz media) Beyonce,  Adele , Olga Tañon,  Francesca Ancarola, Francisca Valenzuela
Contralto (voz grave) Ángela Guzmán,  Tracy Chapman, Ana Carolina, Patricia Maldonado

 

Masculinas Ejemplo en la música popualr
Tenor Bruno Mars, Alejandro Sanz, Romeo Santos Andrés de León,  Mario Guerro
Barítono Frank Sinatra, Ricardo Arjona, Alex Ubago, Raphael, Chico Trujillo, Nano Stern
Bajo Barry White, Josh Turner,  Kevin Johansen

 

Esta nomenclatura,  si bien es propia de la ópera y de la música clásica,  es aplicada también a los cantantes populares   aunque no todos desarrollen su voz lo suficiente como para poder ser catalogados fácilmente,  o que incluso, a ellos mismos no les interese  saber cuál es su registro vocal.  Sin embargo,  es muy  importante que tú conozcas a cuál de ellas perteneces, para saber de esta  manera  si tal nota es posible de alcanzar con trabajo o si simplemente es demasiado alta para tu voz.

Aun así,  en la música popular el registro es solo un punto de partida para desarrollarte  y de ningún modo una limitante. Con trabajo técnico podrás ampliar mucho tu registro e incluso poder cantar notas más allá de lo que se espera para cada voz en la música clásica. Un ejemplo de esto es el uso de la voz mixta  o mix voice en el que el cantante fusiona su voz  “normal”   (con la que habla)   con su “falsete” y pasa de uno a otro sin que se note o pierda fuerza en su voz, como lo hacen los cantantes de heavy metal o los cantantes de formación en teatro musical.

Para finalizar, es importante que tengas claro que ningún tipo de  voz es mejor o peor que el otro, así como un violín no es mejor que un chelo, o una persona  crespa no es mejor que una persona con el pelo liso,  aunque las voces de bajo y contralto son más escasas o poco usuales,  por lo que suelen haber pocos referentes en la música popular.  

Y  como veras,  esta es la explicación del porqué cuando estas cantando a todo pulmón en  una fiesta  –en el caso que seas hombre –  las canciones de Chico Trujillo y Tomy Rey (barítonos) te quedan mejor  o peor que las de Américo o Canela  (tenores)

De que registro vocal crees que eres tu?

Déjame tu comentario abajo!!

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5 razones por la que deberías estar en clases de canto ahora mismo !!!

 

Hola soy Juan Contreras, profesor de canto de la escuela de música resonancias.  si estás leyendo este articulo es porque reamente estas interesado en aprender los secretos del canto, por lo que te voy a contar 5 razones que me parecen fundamentales para que comprendas lo  importante que  es la guía de un maestro. Lo que sigue a continuación es contenido de alto valor para todos los amantes del canto y es fruto de mi experiencia como cantante y vocal coach, pero sobre todo como estudiante de canto, ya que tuve muchas malas experiencias y sin sabores que me gustaría evitar para mis alumnos.  Espero que sea esclarecedor para ti.

Disfrútalo!!!

  • 1.- Todo el mundo PUEDE estudiar canto

 

No importa cuán desafinado seas, ni cuan “fea” sea tu voz, si amas la música,  amas el canto y realmente tienes ganas de poder cantar,  tienes todo el derecho de tomar clases.  Más aun si crees que realmente te es demasiado difícil y  no tienes capacidades naturales o “talento” para cantar.

children-singing-lessonsPor supuesto que hay personas que parecieran nacer con el “don del canto”, o no tener problema alguno para cantar bien,  pero te sorprenderá el descubrir que con trabajo y con la guía apropiada, los mayores problemas vocales pueden mejorarse. La mayoría  de las veces el origen de la desafinación no es  un problema fisiológico o cerebral, si no que problemas técnicos o incluso simple falta de práctica o atención,  lo que puede resolverse completamente, con  paciencia y perseverancia, claro.

Lo mismo pasa con la fealdad en el sonido vocal o la extrema dificultad al emitirlo. Tampoco hay un límite de edad para estudiar canto;  nunca es demasiado tarde o demasiado pronto, si la persona puede seguir instrucciones y  hablar de manera normal y sana,  puede aprender a cantar.

 

 

  • 2.- Todas las personas que cantan con regularidad DEBEN estudiar canto para cuidar su salud vocal.

 

Es absolutamente necesario que cualquier persona que ocupe su voz para cantar  deba  tener nociones mínimas de cómo hacerlo bien, sin hacerse daño.  

Es muy común que las personas que aman cantar crean que es normal terminar fatigados de la voz después de hacerlo, con picor en la garganta o incluso disfónicos.  Esto no es normal!!! significa que tus cuerdas sufrieron un  stress tan grande que ya no pueden funcionar bien;  Y los seres humanos, al igual que todos los animales,  deberíamos poder  hacer sonidos con nuestras cuerdas vocales  de manera natural y sin sufrir ningún daño, tal como llora un bebe, solo necesitas un guía que te ayude a hacerlo bien, de manera sana y responsable, si no lo haces, realmente podrías terminar padeciendo problemas como  lesiones en las cuerdas vocales, nódulos, pólipos etc.  Y si tu voz es un tesoro, ¿Por qué no cuidarlo?

 

  • 3.- Necesitas  entrenamiento  para  desarrollar tu instrumento

 

Por supuesto que todo el mundo puede disfrutar cantar en un momento de manera relajada y despreocupada, solo por diversión, pero  si amas tanto hacerlo ¿Porqué no tomártelo más en serio?  La mayoría de los cantantes que admiras han practicado mucho para lograr su manejo de la voz.  El canto es igual que un deporte, si entrenas de manera regular te aseguro que veras resultados muy notorios, incluso a corto plazo. Nadie nace sabiendo, y el cantar sin que se te acabe el aire o llegar a las notas altas son aspectos del canto que se desarrollan con la técnica  y no  dones o súper poderes innatos que solo algunos privilegiados poseen.  El canto es 10% talento y 90% práctica y perseverancia.

 

  • 4.- Necesitas  conocer las posibilidades y limitaciones de tu voz

 

La  voz humana  es un instrumento muy delicado que debes saber manejar, y para hacerlo, debes conocerlo a fondo.

Por ejemplo:  Es muy importante que sepas a la hora de cantar que tan alto puedes intentar llegar sin hacerte daño, cuantos tonos debes bajar una canción para que te acomode o  si no necesitas bajarla  y solo te falta entrenar mas para poder llegar a las notas altas. Necesitas manejar aspectos teóricos mínimos  de cómo funciona el canto, saber cuál es tu tipo de voz (soprano, barítono etc.)  y de esa manera poder elegir  que canciones  puedes abordar o en que  tono.  Lo mismo pasa con otros  aspectos como el volumen de la voz, los diferentes estilos o con efectos vocales  como el raspado o el vibrato:   Necesitas los conocimientos  que te permitan ver  por donde es seguro ir y así alcanzaras  a tus objetivos de manera responsable y segura.

 

  • 5.- Un guía presencial es fundamental.

 

Por supuesto que puedes aprender  muchos aspectos teóricos del canto de  manera autodidacta, por internet por ejemplo, pero nunca podrás reemplazar la vivencia de una clase presencial.

Solo un profesor experto  que esté al frente tuyo  podrá ayudarte con los problemas de tu voz en particular: decirte si estas desafinado o si estas tenso, darte ejemplos con su propia voz de lo que estás haciendo  mal o  cómo hacerlo bien etc.

Este problema se ve principalmente a la hora de la interpretación. La técnica es solo la mitad del estudio del canto. Como interpretar una canción y transmitir las emociones a la hora de estar en el escenario  es algo en lo que solo un profesor en vivo y en directo podrá ayudarte.

No hay escusas para no intentarlo!!! Al tomar clases de canto de manera constante-  incluso si ya eres un cantante profesional consolidado – podrás desarrollar tu voz y mantendrás su calidad y salud  por muchos años.  Pero por sobre todo,  llenara tu alma de alegría y plenitud, algo que  solo el hacer música puede lograr.

Quisiera que me dejaras tu testimonio sobre tu experiencia de vida con el canto, no importa si eres profesional o estás recién comenzando,  probablemente tengas algo importante que decirnos y puede servirle a alguna persona que visite esta página, deja tu comentario  abajo!

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7 hábitos eficaces para aprender música exitosamente

Una vez que comienzas tus clases de instrumento es indispensable producir todas las condiciones que necesitas para que puedas sacarle el mejor provecho a tus clases.  en el presente artículo escribiré sobre 7 hábitos eficaces que te serán de gran utilidad para que puedas aprender mucho más, si no los aplicas le sacarás menos provecho a tus clases:

  1. Practica en un espacio silencioso, limpio, ventilado  e iluminado.

violinEs indispensable contar con un espacio adecuado para desarrollar tu arte, pues necesitas mantener tu mente focalizada, de lo contrario te distraerás y  sentirás que no aprendes,   trata de limitar tus distractores externos, por ejemplo  tomando las siguientes medidas:

  •  Apaga tu celular o ponlo en modo “Avión”
  • Aíslate de las personas, si tienes familia, hijos o compartes el espacio   pídeles que te respeten tu hora de trabajo no interrumpiéndote a no ser que sea algo verdaderamente urgente
  • Apaga la TV o el computador

2. Practica durante ciclos de 25 minutos, descansa 5 y después de 4 ciclos descansa por lo menos 15 minutos

Al comienzo puedes partir con un solo ciclo al día para luego aumentar los ciclos según tus intereses y posibilidades, es importantísimo descansar después de 25  por 5 minutos minutos,  este descanso permitirá mantener la concentración en su punto óptimo, si tienes un entusiasmo que te permite superar los 4 ciclos de estudio,  al terminar el cuarto descansa 15 minutos, esto permitirá renovar las energías manteniendo el entusiasmo en tu práctica.

3. La práctica  debe ser diaria

Esto es importante que tengas en cuenta,  la música funciona con constancia, en la medida que  mantengas una constancia diaria sostenida en el tiempo verás los resultados antes de lo que te imaginas.  prepárate para equivocarte muchas veces,  el error es parte de este aprendizaje. Si te equivoques sigue adelante, para ser músico debes ser muy porfiado.

4. Separa los problemas, no toques toda la pieza, aísla un problema y concéntrate en el.

Cuando aprendas y apliques profundamente este concepto,  entonces serás capaz de producir tu propio conocimiento en la música, aquí esta la diferencia entre tocar  y estudiar.

5. Practica en “Cámara Lenta”

Aprender a tocar en cámara lenta te permitirá tocar con una calidad superior, mejorarás tu sentido rítmico,  el sonido, tu dinámica.  Si aprendes a tocar lento  vas a poder solucionar todos los problemas que se te presenten y no tendrás límites.

6. Anota tus dudas en un cuaderno para después preguntarle al profesor

siempre ten un lápiz a mano,   hace tus anotaciones en un cuaderno o en la misma partitura,  para que después puedas preguntarle a tu profesor,  el sabrá como ayudarte, mientras más específica la pregunta  mejor te pueden ayudar, anota tus tudas respecto a la respiración  o la digitación,  anota lo que tu crees que podría funcionar mejor, si te equivocas no importa, lo importante es que cada vez tendrás más dominio sobre esas cosas y en la medida que  vayas reflexionando  tomarás mejores decisiones técnicas.

7. Desarrolla  el hábito de escuchar música permanentemente

Finalmente este es uno de los puntos más importantes, ya que el hábito de escuchar música te llevará  a obtener una cultura musical mucho más amplia, por ende  descubrirás  cual es el mejor repertorio para ti, y por otra parte  entenderás cual es el sentido de la música que interpretas si tienes los referentes adecuados.  Sin referentes es imposible darle sentido a la música.   Y en este mismo hábito es el de ir a ver conciertos de música en vivo que se estén desarrollando en tu localidad,  seguro que cerca de ti existen numerosos músicos  que ya están dando conciertos, no necesariamente tienes que ir a ver una banda conocida,  también atrévete a ver músicos que no conoces, seguro te llevarás una gran sorpresa.  Finalmente eso se trata de aprender a vivir una vida musical  hermosa.

¿Cuanto tiempo le dedicas a tu instrumento y como organizas tu estudio?

Comparte conmigo tu expriencia dejando un comentario abajo!

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10 consejos para mejorar tu rendimiento en el piano (o en cualquier instrumento)

Queridos  Amig@s de nuestra queridísima  Escuela de música Resonancias:

Hemos preparado este Artículo orientativo para ayudarte a mejorar tu  rendimiento una vez que ya estas decidido  a cumplir  tu sueño de hacer música y  has elegido a tu profesor. Estas ideas se basan en la experiencia que he tenido personalmente,  como también  en la experiencia con mi rol de profesor.  Si  bien es  cierto el  contenido  se refiere al piano,  este resulta  muy válido para cualquier  disciplina musical.

clases-de-pianoCada punto puedes  discutirlo  con tu profesor o amigos que estén vinculados  a la música.

1.- Prepara tu espacio:

Para tener un espacio adecuado para tu sesión de estudios debes revisar que los siguientes elementos estén en orden:

La iluminación, porque necesitas ver muy bien la partitura con todos los detalles que esta contenga

Tu material perfectamente organizado, porque de lo contrario perderás mucho tiempo buscando hojas sueltas, libros debajo de la cama, etc. etc.

Utiliza lápiz grafito y goma de borrar, así podrás anotar digitaciones o detalles que vayas encontrando para tener en cuenta en el futuro y preguntarle a tu profesor en la próxima clase de piano.

2.- Los músicos necesitamos silencio

Esta idea no es mía, la dijo en una entrevista el pianista ruso Vladimir Volos, considero que estas palabras encierran una profundidad muy grande.

En términos prácticos es muy importante que durante su sesión de estudio protejas tu espacio acústico, de tal manera que si tienes niños o vives en un entorno bullicioso busca un horario donde no exista bulla, cierra las ventanas si es que entra mucha contaminación acústica.

Apaga tu teléfono celular para no recibir interrupciones

Nada de televisión encendida a tu alrededor

Resulta que estamos en la cultura del multiproceso, en donde tendemos a realizar muchas cosas al mismo tiempo, pero te aseguro que la práctica musical requiere de toda tu atención, necesita exclusividad para ser realmente efectiva. Además al tener silencio a tu alrededor podrás trabajar mejor tus dinámicas (Mejorarás  tus  sonidos suaves).

3.- Organiza una lista de lo que te vas a estudiar

Verás lo efectivo que es anotar de antemano lo que vas a estudiar en una sesión delista trabajo. Anótalo en orden de prioridad para que el estudio se ha aún más efectivo.

Si aparecen dudas o existieron problemas que no pudiste solucionar puedes anotarlos para preguntarle a tu profesor el  cómo solucionarlos en la próxima clase de piano.

Con esta medida te convertirás en un estudiante proactivo y la clase de piano será mucho más interesante para ti y le sacarás mejor partido, pregúntale a las personas que por su profesión tienen este hábito de estudio de ir tomando nota, pueden darte más ideas.

4.- El que lento estudia lento olvida

Este principio es fundamental para comprender la diferencia entre tocar y estudiar. Una de las cosas que más repite un profesor de piano (o de cualquier instrumento musical) a sus estudiantes es “toca lento“. Esto significa tocar muy, muy  lento,  es decir,  tocar en cámara lenta. Gracias a este trabajo  vas a poder aprender realmente bien la pieza, he  aquí el secreto para poder lograr fluidez, memoria, sensibilidad al pulso,  velocidad, etc.

Descansa cada 15 o 20 minutos, párate de tu asiento, da una vuelta por la pieza, estírate y retoma el estudio.

5.- No estudies la pieza entera.

Acostúmbrate a identificar las partes o secciones de la pieza o canción que estés estudiando, ponle números o letras para que las identifiques es en la partitura. Pídele ayuda a tu profesor de piano para segmentar correctamente la pieza que estés estudiando. Verás lo divertido que es comenzar a comprender y sentir las estructuras internas de cada pieza que tú toques.

Entonces al tener identificada dichas estructuras dedícale tiempo a cada una de ellas por separado,  de la que tenga mayor dificultad a la menor dificultad, te aseguro que te darás cuenta lo fácil qué puede llegar a ser armar una pieza si trabajas coherentemente con esta metodología, podrás ahorrar tiempo, energía y dinero.

6.- Simula un concierto o audición

A la hora de presentar una audición, un concierto, o enfrentar un examen o algo por el estilo no se debe dejar nada al azar.

Imagínate, estás a punto de presentar en público lo que has preparado durante meses de trabajo, entonces te recomiendo que invites amigos, familiares y personas de tu entorno íntimo con las cuales tengas mucha confianza, te sientas  bien y que puedan darte sus opiniones sinceras pero siempre constructivas.

Toca el programa de tu audición de principio a fin para ellos sin detenerte, si te equivocas,  sigue adelante.

 Puedes aprovechar este momento para compartir con ellos la música algunas galletas, jugos, etc. y hacer de esto una velada muy enriquecedora. Lo más importante aquí el probarte a ti mismo que el trabajo que has realizado esta sólido y te sientes bien con la idea de presentarte en público.

7.- Llega una hora antes a tu concierto o audición

relojEs muy importante contar con el tiempo necesario para tranquilizarte y poder entrar al escenario sin ningún tipo de ansiedad o apuro. Para que no aparezca el señor merphy  con su ley y te haga una mala jugada. Llega con anticipación, créeme que siempre ocurren imprevistos, sobre todo cuando andas con los tiempos muy ajustados. Cualquier contratiempo que tengas cuando tienes los tiempos muy ajustados producirá un estrés de gran envergadura que puede afectar  dramáticamente tu desempeño, recuerda que lo importante es disfrutar lo que estás haciendo y para eso debes crear o producir las condiciones ideales.

8.- Prueba el piano o prueba sonido

Es muy importante conocer el instrumento dónde vas a tocar. Debes tomar en consideración la calidad del sonido, la acción y peso  de las teclas, la acústica del lugar donde estás tocando, etc.  Si estás tocando con un piano digital, debes  probar sonido, porque si no estás bien ecualizado no importa lo bien que toques, pues  sonora mal igual, en mi opinión lo peor que le puede pasar a un músico es tener mal sonido, pues el sonido es nuestra principal preocupación.

9.- Piensa el tiempo antes de tocar

Tomarse unos segundos antes de comenzar a tocar para preparar la velocidad con que iniciar tu ejecución, ayudará a que tengas mayor confianza porque prevendrá que comiences a tocar  demasiado rápido o demasiado lento. Si  te equivocas en la velocidad inicial entrarás en una situación muy difícil de solucionar (pero no imposible) y sentirás como tu sangre se convierte en adrenalina pura. Cuando ensayes en tu casa define exactamente cuál va a ser tu pulso,  para eso sólo debes pensar en el segmento que más te cuesta y encontrar el pulso que te permita tocar fluidamente dicho segmento, entonces este pulso tendrá que ser el tiempo general de la pieza. En conclusión, cuando estés a segundos de comenzar la ejecución piensa en este segmento para poder fijar adecuadamente el pulso.

10.- Recibe con naturalidad el aplauso y la felicitaciones de tu público

Recuerda que las personas por sobre todo te van a agradecer el esfuerzo que hiciste por aplauso fhaber compartido tu música con ellos. Probablemente muchas veces sientas que pudiste haber tocado mejor pero deja esta reflexión para tu siguiente ensayo, dedícate ahora a disfrutar de lo que se siente cuando has cumplido con tu compromiso de hacer música ahora dedícate a compartir con tu público.

Como última reflexión te digo que del cien por ciento que lograste en el ensayo probablemente en la presentación oficial  sea entre 80 y 90 por ciento, incluso aveces  70 por  cien. Este es un proceso evolutivo y mientras más te presentes en público más irás mejorando tu rendimiento. Por lo tanto mantén bajas tus expectativas de rendimiento en tus primeras presentaciones en público, así evitarás la frustración y por sobretodo disfrutarás haciendo música.

Al llegar a esta instancia no me queda más que darte las felicitaciones  ya que estás cumpliendo por fin tu sueño de hacer música al compartir la música que estudiaste con tu público, Las personas  que se atreven a cumplir su sueño son verdaderos héroes  y son dignas de aplauso.

Te  invito a compartir  estos  consejos en tus redes sociales  para que otros  amigos  puedan conocerlos  y seguirlos.

Me  gustaría  hacerte una pregunta:

¿Cómo es tu sesión de estudio?

Déjame  tu respuesta abajo!